Źródło: Blog RipX
Jak i dlaczego rozpoczęto samplowanie
Od ponad 50 lat sampling jest jednym z najbardziej wpływowych i inspirujących narzędzi i technik muzycznych, pozwalając producentom i słuchaczom łączyć się z historią muzyki, ponownie prezentując znane dźwięki na nowe sposoby, stając się częścią stale ewoluującego muzycznego gobelinu.
Wpływ samplingu na współczesną muzykę jest nie do przecenienia, choć droga do wydania płyty zawierającej sampel lub kolekcję sampli była (i przez cały czas może być) kamienista. Sampling, który powstał w swojej nowoczesnej formie w latach 70-tych, gwałtownie rozwinął się jako początkowa, eksperymentalna reakcja na duże wytwórnie, które początkowo interpretowały go jako kradzież. Jednak dla tych, którzy chcieli tworzyć muzykę, ale nie chcieli (lub nie mogli sobie pozwolić) na naukę instrumentów lub teorii muzyki, pomógł wypełnić tę lukę i utorował drogę dla obfitej kultury remiksu, w której jesteśmy w tej chwili zanurzeni.
Patrząc z perspektywy lat, kreatywne wykorzystanie sampli pozwoliło twórcom na dodanie nowych wymiarów i złożoności do ich muzyki, co zaowocowało różnorodną gamą dźwięków i stylów, którymi możemy cieszyć się każdego dnia – czy to w radiu, na winylu, DSP czy w serwisach streamingowych.
Kolejną kluczową rzeczą do zapamiętania jest to, iż cytowanie i naśladowanie zawsze prowadziło do muzycznej ewolucji: jazz był pod wpływem tradycyjnej muzyki imigrantów z USA (i nie tylko); soul i rhythm & blues były pod wpływem zarówno jazzu, jak i muzyki gospel; funk był pod wpływem soulu, rhythm & bluesa i jazzu; rock był pod wpływem rhythm & bluesa; disco było pod wpływem soulu i funku. Hip hop był pod wpływem funku, rocka, soulu, jazzu, disco i ostatecznie WSZYSTKIEJ muzyki. I tak cykl jest kontynuowany z dzisiejszymi podgatunkami muzyki elektronicznej.
Ale chociaż czasami sample mogą być używane w złym guście lub nie są wykorzystywane w najlepszy możliwy sposób, większość z tych skarg jest subiektywna w oczach artysty lub producenta, który je tworzy i ich odbiorców. Powszechnie samplowane elementy obejmują smyczki, linie basowe, pętle perkusyjne, wokalne haki lub całe takty muzyki, zwłaszcza z płyt soulowych. Sample mogą być nakładane warstwowo, wyrównywane, przyspieszane lub spowalniane, zmieniana wysokość, zapętlane lub w inny sposób manipulowane w niemal każdy możliwy sposób. Wraz z rozwojem technologii samplingu, możliwości manipulacji wzrosły. Zamiast samplować nagranie, artyści mogą odtworzyć utwór, a choćby użyć procesu znanego jako interpolacja.
Ewolucja samplingu w muzyce nagrywanej i granej na żywo
Chociaż sampling można prześledzić wstecz do ruchu dadaistycznego w latach dwudziestych XX wieku i muzyki Pierre’a Schaffera w latach czterdziestych XX wieku, a także muzyki i nagrań terenowych pojawiających się w eksperymentalnych kompozycjach kompozytorów takich jak John Cage, to wprowadzenie instrumentów klawiszowych, które odtwarzały dźwięki nagrane na taśmie, takich jak Mellotron, naprawdę pomogło mu rozwinąć się jako forma sztuki. Fragmenty nagranego dźwięku zostały ponownie wykorzystane i wykorzystane do różnych nagrań muzycznych, a wraz z postępem technologicznym eksperymenty te stały się łatwiejsze i bardziej przystępne cenowo, a hip-hop wprowadził tworzenie bardziej nowoczesnego samplingu, co doprowadziło do całkowitej zmiany technik produkcji muzyki popularnej.
W latach 60. jamajscy producenci reggae, tacy jak King Tubby i Lee „Scratch” Perry (wyprodukowani przez legendarnych producentów, takich jak Adrian Sherwood), zaczęli wykorzystywać nagrania rytmów reggae do produkcji utworów riddim, które następnie były deejayowane.
Ci jamajscy imigranci następnie wprowadzili te techniki do tych, którzy prowadzili turntablism na początku lat 70-tych na imprezach hip-hopowych w Bronksie, gdzie DJ-e „muzyki rebelianckiej”, tacy jak Kool Herc, kręcili nagrania funkowe i soulowe, podczas gdy MC rapowali nad fragmentami tych nagrań, czysto jako forma sztuki na żywo w tamtym czasie.
Zanim jednak DJ-e hip-hopowi zaczęli wykorzystywać przerwy w nagraniach, istniał choćby producent nagrań komediowych o imieniu Dickie Goodman, który specjalizował się w pobieraniu cytatów z hitów z list przebojów Top 40 i łączeniu ich w pisane przez siebie komediowe kawałki.
Jednak oficjalny termin sampling został ukuty później, pod koniec lat 70-tych, po „He’s Gonna Step on You Again”, piosence południowoafrykańskiego muzyka Johna Kongosa z 1971 roku, w której wykorzystano sampel nagranej afrykańskiej ścieżki perkusyjnej.
Jednak producentem, któremu w dużej mierze przypisuje się wprowadzenie samplingu do hip-hopu, był pionier Marley Marl, który zaczynał od pobierania pojedynczych uderzeń perkusji z breakbeatów (najbardziej znanego „Impeach the President” zespołu Honeydrippers) i przeprogramowywania ich, zanim przeszedł do samplowania stabów i całych sekcji muzycznych.
Ale czym sampling różni się od innych form sztuki muzycznej, takich jak remiksowanie, tworzenie coverów czy interpolacja? Cóż – sampel to wyodrębniona część istniejącego utworu, rekontekstualizowana do nowego nagrania, takiego jak breakbeat, w celu stworzenia oryginalnego utworu przy pomocy istniejącego materiału.
Z drugiej strony, remiks to nowa wersja utworu po edycji i zbudowaniu na oryginalnych wielościeżkach lub stems, tworząc zupełnie nową wersję poprzez dodanie, usunięcie i/lub zmianę tych wielościeżek lub stems.
Jest to dyskusyjne i zależy od kontekstu, ale można argumentować, iż samplowanie wykorzystuje większą oryginalność, ponieważ wiąże się z tworzeniem zupełnie nowego utworu, podczas gdy remiks wykorzystuje więcej z poprzedniego utworu, aby stworzyć tylko nową wersję.
Wersja cover lub cover piosenki to reprodukcja istniejącej piosenki, w której zmienia się tylko wykonanie. Z drugiej strony, interpolacja przekształca część istniejącego utworu, ponownie nagrywając go w nowym utworze.
Próbkować czy nie próbkować?
Ważne jest, aby pamiętać, iż zawsze należy uzyskać zgodę na wykorzystanie próbki od właścicieli praw autorskich, do których mogą należeć oryginalni artyści, pisarze i wydawcy. Muzyka jest chroniona prawem autorskim, więc ponowne wykorzystanie dowolnego fragmentu lub całego utworu muzycznego wymaga uzyskania zgody i licencji. Powinieneś także dowiedzieć się, jak chronić prawa autorskie do utworów, aby mieć pewność, iż twoje własne utwory są chronione przed nieautoryzowanym użyciem, jeżeli ktoś inny zdecyduje się na samplowanie bez pytania.
Tak więc przed przystąpieniem do wydawania utworów zawierających jakikolwiek rodzaj sampla, zawsze należy dołożyć należytej staranności, aby upewnić się, iż znasz prawo dotyczące samplowania w danym kraju.
Alternatywą jest przyjęcie bardziej ostrożnego podejścia i korzystanie z muzyki i dźwięków royalty-free. Dźwięki te są zwykle dostępne w nieskończonej liczbie pakietów sampli online i nie wymagają opłat licencyjnych na rzecz osoby, która je stworzyła. Ponadto, wiele programów DAW zawiera różnorodne sample i pętle bez tantiem, które można wykorzystywać w dowolny sposób.
Jeśli zamierzasz samplować pełne utwory, rozsądnie byłoby poszukać muzyki, która ma licencję Creative Commons lub inną, która pozwala na wykorzystanie w nagraniach komercyjnych.
Rozwój technologii próbkowania i trendy
Chamberlin jest uznawany za pierwszy sampler, opracowany przez Anglika Harry’ego Chamberlina w latach 40. ubiegłego wieku. Wykorzystywał on klawiaturę do wyzwalania serii magnetofonów, z których każdy zawierał osiem sekund dźwięku.
The Beatles, używając wcześniej nagranych próbek z Mellotronu na Strawberry Fields w latach 60-tych, a w latach 70-tych pojawił się Fairlight CMI używany przez Herbiego Hancocka, Petera Gabriela i Kate Bush – syntezator z możliwością nagrywania i odtwarzania krótkich dźwięków.
Fairlight był najfajniejszym i najbardziej rozchwytywanym elementem technologii muzycznej od lat, ale jego wysoka cena oznaczała, iż był również bardzo ekskluzywny dla nielicznych szczęśliwców. Jednak w porównaniu do późniejszych samplerów, Fairlight był ograniczony; pozwalał na kontrolę wysokości i obwiedni, ale mógł nagrać tylko kilka sekund dźwięku.
W latach 80. artyści tacy jak Dr Dre, Beastie Boys i Pete Rock zaczęli używać samplerów takich jak Akai S950, E-Mu, Emulator 1 i 2, Ensoniq Mirage oraz automatów perkusyjnych zawierających sample, takich jak Oberheim DMX i Linn LM-1, a także Roland 808, który był słyszany jako sekwencjonowany za wieloma samplowanymi nagraniami hip hopowymi i electro w tym czasie.
Jednak te wczesne samplery przez cały czas były drogie i często oferowały ograniczony czas próbkowania, w wielu przypadkach 2-4 kroki, co prowadziło do wielu kreatywnych ograniczeń, słyszanych w wielu krótkich, zapętlonych utworach muzycznych tamtych czasów.
Jednak w 1986 roku Emu wypuściło swój klasyczny już sampler SP12, który był jednym z pierwszych niedrogich samplerów używanych przez pokolenie chcące samplować automaty perkusyjne i breakbeaty pobrane z winyli. Sample takie jak Amen break, „Funky Drummer” drum break i hit orkiestry zostały wykorzystane w tysiącach nagrań, a James Brown, Loleatta Holloway, Fab Five Freddy i Led Zeppelin stali się najczęściej samplowanymi artystami.
Powszechne stało się również nakładanie na siebie melodyjnych sampli z różnych płyt w celu stworzenia bardziej teksturalnych pejzaży dźwiękowych i melodyjnych pasaży.
W 1988 roku firma Akai wypuściła na rynek pierwszy sampler MPC, który umożliwiał użytkownikom przypisywanie sampli do padów i wyzwalanie ich niezależnie, w sposób podobny do gry na klawiaturze lub zestawie perkusyjnym. Mirage został wprowadzony wcześniej i chociaż był przełomowym produktem w przystępnej cenie, jakość dźwięku nie była świetna i nie był szybki w użyciu, z zaledwie dwucyfrowym wyświetlaczem. Miał również ograniczoną pamięć próbkowania wynoszącą zaledwie 144K! Z drugiej strony Akai oferował znacznie wyższą jakość próbkowania i dłuższe czasy próbkowania.
W latach 90-tych pojawiły się konkurencyjne samplery takich firm jak Korg, Roland i Casio, wprowadzono kontrolery MIDI, takie jak Akai APC, Maschine firmy Native Instrument, Ableton Push, loopery i mnóstwo nowych programów DAW. Wtyczki programowe zalały rynek nieograniczonymi czasami próbkowania, dając jeszcze większą motywację dzięki łatwości i taniości korzystania z samplowanych bitów, co jeszcze bardziej wzmocniło kulturę remiksowania, a samplowanie stało się centralnym przepływem pracy w większości technik produkcyjnych.
Był to czas, w którym sampling rozwinął swoje skrzydła i doprowadził do eksplozji artystów hip hopowych na całym świecie oraz wielu innych artystów i producentów z nowych podgatunków, takich jak muzyka house, techno, hardcore, drum and bass, breakbeat z Fatboy Slimem jako główną postacią, down-tempo, broken beat, UK Garage, a choćby muzyka pop – z których wszyscy często samplowali nagrania jazzowe i wszelkie możliwe do odkrycia nagrania z dowolnego gatunku zawierające interesujące melodie, dźwięki i rytmy warte eksperymentowania, łączenia i przetwarzania ich na nowe, interesujące sposoby. J Dilla był chwalony za unikalne programowanie bitów i sampli, a pierwszy album stworzony w całości z sampli, Endtroducing autorstwa DJ Shadow, również został wydany w 1996 roku.
Również w latach 90. pakiety sampli miały duży wpływ na współczesną muzykę, a w 2010 roku producenci zaczęli wydawać pakiety sampli na internetowych platformach do licencjonowania sampli, takich jak Splice, Loopcloud, Noiiz, Tracklib i inne.
Jednak wraz z postępem technologicznym i pojawieniem się niedrogich programów do samplowania na domowych komputerach i laptopach, samplowanie jest dziś bardziej popularne niż kiedykolwiek. Niedrogie nagrywanie w domu oznacza również, iż interakcje między żywymi muzykami a samplowanymi utworami są na najwyższym poziomie.
Próbkowanie muzyki przez sztuczną inteligencję
Separacja audio, oprogramowanie do separacji stems i technologia muzyczna AI jeszcze bardziej zrewolucjonizowały samplowanie, a AI DAW, takie jak RipX DAW, oferują choćby samplowanie z separacją stems, umożliwiając użytkownikom samplowanie, dostosowywanie, czyszczenie, przekształcanie, zmianę aranżacji i ponowne odtwarzanie pomysłów melodycznych nagranych bezpośrednio na komputerze lub w AI Music Generator w celu stworzenia podstawy nowych utworów lub dodania elementów do istniejących – oferując prawdziwie holistyczne przepływy pracy w produkcji muzycznej AI. Dzisiejsze możliwości samplowania są naprawdę nieograniczone!
Samplowanie przy użyciu RipX DAW
Tworzenie podkładów z dowolnej próbki lub utworu, a następnie wykrywanie i wyświetlanie tonacji i tempa.
Zmieniaj wysokość i tonację monofonicznych i polifonicznych sampli, a choćby losuj je.
Zmieniaj tempo i grupuj, wycinaj, tnij, odwracaj, zmieniaj kolejność i rozciągaj w czasie sample z wielu ripów, aby przekształcić je w coś nowego.
Wyodrębnij dźwięki jako próbki z dowolnego zgranego utworu, klikając prawym przyciskiem myszy nutę, zapisując ją w panelu dźwiękowym i przekształcając lub łącząc ją z istniejącymi dźwiękami dzięki suwaka.
Eksport stems i tworzenie plików MIDI z dowolnej partii instrumentu
Próbkowanie i ulepszanie wyników generatorów muzyki AI
Jeśli chodzi o RipX DAW, samplowanie jest oczywiście tylko jednym z przypadków użycia, ale jest symbiotyczne zarówno ze sztuczną inteligencją (samplowanie muzyki AI), jak i edukacją (dekonstrukcja części w celu ich nauki / odpowiedniego wykorzystania w innych kontekstach muzycznych). Dowiedz się więcej o tym, jak możesz używać RipX DAW do nauki fragmentów dowolnego utworu TUTAJ.
Aktualizacja do wersji RipX DAW PRO umożliwia również dalsze czyszczenie i przekształcanie sampli. Część druga zawierająca więcej porad i wskazówek dotyczących samplowania przy użyciu RipX DAW już wkrótce…
Kup rewelacyjne narzędzie audio jutra teraz:
