Finale – 10 sposobów na poprawę czytelności nut

Źródło: Blog Finale, autor: Scott Yoho

W tym tygodniu gościnnym blogerem jest Jonathan Feist, redaktor naczelny Berklee Press.

Oto kilka wskazówek, które pomogą ci zachować profesjonalny wygląd notatek.

1. Unikaj kolizji. Elementy notacji (np. łuki/nuty, artykulacje/symbole akordów, teksty/dynamika itp.) prawie nigdy nie powinny na siebie nachodzić. Efekt jest taki, iż krzyżują się one ze sobą. Daj każdemu trochę wolnej przestrzeni! Jest to szczególnie trudne w przypadku palcowania. Staraj się przełamać linię pięciolinii tylko raz, na cyfrę. Zdecydowanie nie pozwól, aby pozioma linia cyfry 2, 7 lub 5 nakładała się na linię pięciolinii.
   Podczas gdy różne funkcje odstępów między nutami (Przybornik > Spacjowanie nut…) usuwają wiele kolizji, czasami trzeba trochę poprzesuwać manualnie. Do większości tych regulacji można użyć narzędzia Zaznaczanie, powiększając widok do 200% lub 400% podczas dostrajania. Paleta Narzędzi specjalnych może być świetnym sprzymierzeńcem w przypadku niektórych bardziej drobiazgowych kwestii związanych z odstępami.
2. Uporządkuj elementy notacji od szczegółowych do ogólnych. Próbując dowiedzieć się, gdzie ustawić różne elementy notacji, ustaw konkretne elementy (artykulacje, słowa) najbliżej nut, a bardziej ogólne elementy dalej (symbole akordów, repetycje, tempa). Na przykład, symbole akordów znajdują się poniżej klamer volt (najbliżej nut), ponieważ odnoszą się do bardziej zlokalizowanego obszaru. Ale nic nie powinno znajdować się pomiędzy nutą a ligaturą, która jest nieodłączną częścią jej definicji. Ponownie, pracuj od środka na zewnątrz.
3. Utrzymuj wątki narracyjne podobnych elementów. Na przykład, wszystkie dynamiki powinny odnosić się do siebie nawzajem, będąc na tej samej linii i ze spójnymi odstępami między klinami crescendo i literami dynamiki. Dynamika powinna być ustawiona na lewo lub dokładnie na środku pierwszej nuty, od której się zaczyna. jeżeli masz jakąkolwiek dynamikę, ustaw początkową dynamikę w pierwszym takcie, aby ją rozpocząć. Ogólnie rzecz biorąc, dynamika poniżej pięciolinii, a tempa powyżej (choć są wyjątki…).
4. Ustaw numerację taktów, repetycje i oznaczenia tempa tylko raz, powyżej górnej pięciolinii każdego systemu. Nadmiarowe użycie tych elementów często zwiększa bałagan, zamiast ułatwiać komunikację. W przypadku partytur orkiestrowych można je powtórzyć raz na rodzinę instrumentów. Z wyjątkiem szczególnych przypadków (takich jak partytury filmowe), ustaw numery taktów tylko raz na początku każdego systemu, a nie na każdym takcie. (W partyturach należy ustawić je nad górną pięciolinią poprzez menu Takty > Edytuj regiony numeracji taktów, i skorzystaj z przydatnych pól wyboru, które kontrolują to zachowanie).
5. Pomiń oczywiste nazwy pięciolinii. Nazwy pięciolinii są konieczne tylko w partyturach wieloinstrumentowych. jeżeli jednym z instrumentów jest fortepian, w duecie ustaw nazwę instrumentu w nagłówku strony, a nie obok pięciolinii/grupy. Upewnij się, iż nazwy mają sens. jeżeli masz tylko jedną partię gitary, nie musisz oznaczać jej jako „Gitara elektryczna” (która może pojawić się automatycznie). Wystarczy „Gitara” i będzie mniej bałaganu. W partyturze fortepianowej/wokalnej z tekstem nie wymaga się dodawania etykiety „Wokal” lub „Sopran”. To, iż jest to pięciolinia wokalisty, jest oczywiste, a to, co pojawia się domyślnie, może nie być tym, co faktycznie masz na myśli. Ponadto, jeżeli jakikolwiek instrument transponuje, nazwy transpozycji dla wszystkich instrumentów powinny być obecne. Nie powinno być „Trąbka B”, a następnie „Rogi”. Nazwa rogu powinna zawierać np. „Róg F”.
6. Używaj ekspresji, a nie tekstu, dla słów powiązanych z taktami. Ekspresje będą przemieszczać się wraz z taktami, jeżeli zmienisz układ. Elementy tekstowe pozostają na stronie, co może prowadzić do nieporozumień/błędów, jeżeli nie są używane prawidłowo.
7. Wyrównaj wszystko. Za każdym razem, gdy dodajesz nowy element, zastanów się, jakie podobne elementy znajdują się na stronie i upewnij się, iż są one rozsądnie wyrównane, aby uniknąć chaotycznego wyglądu. Każdy element powinien być celowo rozmieszczony. Nazwisko kompozytora powinno być prawdopodobnie wyrównana do prawej kreski taktowej każdego systemu. Informacja o prawach autorskich powinna być wyśrodkowana, dokładnie wyrównana
   w poziomie z tytułem. Dolne systemy wszystkich stron powinny spoczywać na tej samej linii bazowej.
8. Użyj czytelnych czcionek. Czcionki odręczne (takie jak Jazz lub Broadway Copyist) są zabawne na pierwszy rzut oka, ale wymagają więcej wysiłku, aby je odczytać niż bardziej klasyczne czcionki (takie jak Maestro). Ponadto z czasem nietypowe czcionki stają się trudne do znalezienia lub przestarzałe, co może komplikować poprawione edycje w przyszłości. (Czas płynie szybciej, niż można by się spodziewać….) Zachowaj swoje nietypowe czcionki na koszulki i kubki do kawy
   i zachowaj je podczas archiwizacji projektu.
9. Ustaw podobną ilość taktów w systemie. Postaraj się o mniej więcej podobną liczbę taktów na linię w całym projekcie i dodaj prawy margines, jeżeli ostatni system musi mieć mniej taktów. Cztery to ładna, równa liczba taktów w całym układzie i idealnie nadaje się do układu wspierającego frazowanie i formę muzyki, ale fizyka nie zawsze na to pozwala. Lepiej jest mieć trzy łatwe do odczytania takty na linię niż cztery takty na linię. Możesz zacząć od użycia narzędzia Zaznaczanie
   i Przybornik > Dostosuj liczbę taktów w systemie, aby wykonać podstawowy układ dla całej partytury, a następnie dokonać ręcznych korekt, klikając takty i używając klawiszy strzałek w górę
   i w dół, aby je przesunąć. Możesz także wybrać region w utworze i zastosować funkcję Dostosuj liczbę taktów w systemie tylko do niego.
10. Ułatw przewracanie stron. Postaraj się zredukować całkowitą liczbę stron w partyturze najlepiej jak potrafisz i zaplanuj przewracanie stron w miejscach, w których muzyka jest stosunkowo rzadka,
    a muzyk może mieć wolną rękę lub może odwrócić wzrok bez utraty krytycznych informacji.

Niewygodna notacja utrudnia mechanikę wykonania, odwracając uwagę muzyków od ich wyższego celu, jakim jest twórcza ekspresja, więc niezwykle ważne jest, aby wiedzieć, jak dokonać wszystkich tych korekt. W moim internetowym kursie Finale Berkleemusic, podczas gdy spędzam dużo czasu ucząc „kliknij to narzędzie, aby to zrobić”, moim większym celem jest nauczenie sposobu myślenia, iż uważamy doświadczenie wykonawcy grającego z naszych nut za najważniejsze. Następnie dowiadujemy się, w jaki sposób Finale może pomóc nam osiągnąć najbardziej przejrzyste sposoby renderowania naszych pomysłów. Finale daje nam niesamowitą kontrolę nad najdrobniejszymi szczegółami notacji, oferując wiele wspaniałych sposobów na uczynienie naszych partytur czytelnymi. Ich opanowanie zaowocuje lepszymi wykonaniami.

Jonathan Feist jest redaktorem naczelnym Berklee Press, wydawnictwa Berklee College of Music. Prowadzi dwa kursy online za pośrednictwem Berkleemusic, internetowego działu kształcenia ustawicznego Berklee: Notacja muzyczna przy użyciu Finale i Zarządzanie projektami dla muzyków. Jest autorem książki Project Management for Musicians (Berklee Press, 2013) i redaktorem Finale: An Easy Guide to Music Notation 3rd edition (Tom Rudolph i Vince Leonard, Berklee Press, 2012).